O Walt Disney Animation Studios celebrou seu 100º aniversário em 2023 e, ao longo de sua longa e inovadora história, os designs dos amados personagens da Disney só cresceram em criatividade. O estilo de animação da Disney, desde Branca de Neve e os Sete Anões, de 1937, até seu filme mais recente, Wish, evoluiu com o passar dos anos. As técnicas para criar personagens realistas e emotivos melhoraram à medida que a tecnologia avançou, com The Black Cauldron, de 1985, sendo considerado o primeiro longa-metragem da Disney a incorporar CGI. Desde então, a Disney encontrou novas maneiras de lidar com sua lista de personagens, incluindo os múltiplos Dálmatas em Cento e Um Dálmatas.
Outras características humanas, como o cabelo de Rapunzel em Tangled, provaram ser desafiadoras. No entanto, a cada obstáculo que se formava, os animadores da Disney podiam criar novas técnicas e desenvolver o conhecido estilo de animação do estúdio. O uso de animação 3D tem sido usado em muitos dos filmes mais recentes da Disney, mas o público anseia por um estilo de animação que lembre os filmes anteriores da Disney. Felizmente, Wish viu o retorno do estilo de animação preferido da Disney, combinando o uso de 2D e 3D. Esta escolha criativa exemplifica os esforços constantes da Disney para incluir designs de personagens únicos em seus filmes.
Relacionados todos os 10 filmes do Renascimento da Disney, classificados dos piores aos melhores O Renascimento da Disney foi um dos períodos mais icônicos da animação da Disney e, dos 10 filmes daquela época, apenas um pode ser o melhor.
10Cruella De Vil (Cento e Um Dálmatas)
O esboço severo enfatizou sua maldade
Após o lançamento de A Bela Adormecida, a Disney usou a tecnologia Xerox para economizar tempo e dinheiro durante a produção de seu próximo filme, Cento e Um Dálmatas. A tecnologia Xerox acelerou o processo de animação e contribuiu para os designs de personagens exclusivos de Cento e Um Dálmatas. A fotografia Xerox transferiu facilmente os esboços originais dos animadores para folhas de celulóide, que mantiveram grande parte do design dos esboços originais, incluindo o contorno escuro a lápis (via Revista Smithsonian).
Esse esboço, embora parecesse severo em seu primeiro uso e contrastasse muito com a animação caprichosa dos filmes anteriores da Disney, ajudou a moldar a antagonista de Cento e Um Dálmatas, Cruella De Vil. Cruella é memorável por suas proporções intensas e nítidas, que foram acentuadas pelos contornos escuros que permaneceram devido ao uso da tecnologia Xerox. Ao contrário do antagonista de Peter Pan, Capitão Gancho, o design do personagem de Cruella enfatizou sua personalidade dramática e intensa, ajudando o personagem a se tornar um vilão memorável da Disney.
9Alice (Alice no País das Maravilhas)
Uma Alice realista se destaca no país das maravilhas
A Disney é conhecida pelo uso da rotoscopia, que permite aos animadores rastrear imagens em movimento, em filmes como Branca de Neve e os Sete Anões e Alice no País das Maravilhas. Neste último filme, Kathryn Beaumont atuou como voz e referência física do personagem titular. Ao representar as cenas como Alice, Beaumont ajudou os animadores a capturar uma representação realista das emoções e movimentos humanos.
Embora esta técnica seja eficaz em uma variedade de filmes, foi especialmente benéfica em Alice no País das Maravilhas, já que Alice é colocada no mundo fictício do País das Maravilhas ao lado de uma série de personagens excêntricos. Além disso, Alice no País das Maravilhas possui uma paleta ousada e colorida que faz com que o filme se destaque entre os primeiros longas-metragens da Disney. Usar o movimento de Beaumont como referência para Alice ajuda a fundamentar a personagem e a diferenciá-la dos demais no cenário brilhante e peculiar de seu sonho.
8 Branca de Neve (Branca de Neve e os Sete Anões)
Tintura inovadora cria a principal característica física da Branca de Neve
As características de boneca de Branca de Neve fizeram dela uma personagem querida ao longo dos anos. Com bochechas redondas e rosadas, os traços de Branca de Neve são suaves e, por muito tempo, acreditou-se que suas bochechas coradas eram conseguidas com o uso de maquiagem (via CBR). Embora isso tenha sido provado falso, os animadores tentaram usar batom e blush para conseguir uma coloração suave nas bochechas de Branca de Neve.
Muitas ferramentas artísticas, como aerografia, foram testadas, mas todas as tentativas falharam até que os animadores chegaram ao uso de uma tinta vermelha. O corante foi colocado na ponta de um lápis e adicionado manualmente em cada célula. Embora o processo tenha sido trabalhoso, resultou no visual icônico da princesa da Disney e é um dos primeiros testemunhos dos esforços criativos da Disney na resolução de problemas.
7Úrsula (A Pequena Sereia)
A inspiração da vida real atua como representação LGBTQ+
A antagonista da Pequena Sereia, Ursula, é uma poderosa e ousada bruxa do mar que rouba a voz de Ariel e ajuda a realizar seu desejo de ser humana. O design da personagem de Ursula é significativo, pois é um dos primeiros exemplos de influências LGBTQ+ nos filmes da Disney. O físico de Ursula é modelado a partir de um popular artista drag, Divine. A tecnologia de animação não apenas ajudou os movimentos subaquáticos de Ursula a parecerem fluidos e contínuos, mas seus maneirismos também lembram as performances teatrais de Divine, incluindo o filme de 1988 de John Waters, Hairspray.
No entanto, por mais inteligente e memorável que seja o design do personagem de Ursula, não é isento de controvérsias. Há uma longa história de filmes controversos da Disney devido a estereótipos raciais insensíveis e histórias problemáticas. Para Ursula e A Pequena Sereia, ficou cada vez mais claro ao longo dos anos que ter personagens representativos LGBTQ+ como antagonistas perpetua ideologias prejudiciais.
6Malévola (Bela Adormecida)
Um design de personagem alongado criou um ícone
O estilo artístico de A Bela Adormecida é inspirado na obra de Eyvind Earle, artista conhecido pelo uso combinado de linhas verticais e influências góticas. Este estilo de arte ajudou a melhorar as características da antagonista da Bela Adormecida, Malévola. Mais conhecida pela maldição que lança sobre a jovem princesa Aurora, a natureza maligna de Malévola é aparente através do design de seu personagem.
No início da produção, o design de Malévola lembrava uma bruxa, semelhante ao disfarce da Rainha Má como a Bruxa Má em Branca de Neve e os Sete Anões. Porém, a versão final de Malévola, com seus chifres diabólicos e influência linear da arte de Earle, é o equilíbrio perfeito entre elegância e maldade, o que fez de Malévola uma favorita entre o público. Devido à sua aparência e habilidades mágicas, Malévola continua sendo a personagem emergente, apesar de ser a vilã.
5Judy Hopps e Nick Wilde (Zootopia)
A tecnologia moderna ajudou a criar peles realistas
Judy Hopps e Nick Wilde são apenas dois dos numerosos animais da cidade titular de Zootopia. Os animadores foram encarregados de criar peles realistas para esses animais, mas não foi fácil. À medida que a tecnologia melhorou, a animação da Disney tornou-se cada vez mais realista, como pode ser visto em seus personagens humanos e animais. Antes de Zootopia, a última vez que a Disney trabalhou com personagens peludos foi no filme de 2008, Bolt.
Em 2016, a tecnologia utilizada estava desatualizada e, como resultado, um novo software, o iGroom, foi desenvolvido para customizar a textura do pelo das diversas espécies animais da Zootopia. Semelhante aos milhares de fios de cabelo usados em personagens humanos como Elsa e Rapunzel, Judy e Nick precisavam de aproximadamente 2,5 milhões de fios de cabelo. A atenção aos detalhes garantiu que os animais tivessem uma suavidade realista e ajudou a dar vida à cidade fictícia de Zootopia.
4Gênio (Aladino)
Seus movimentos foram modelados a partir da comédia de Williams
O que é facilmente considerado um dos personagens mais queridos da Disney, o design do Gênio de Aladdin aproveitou os pontos fortes do talento de Robin Williams. Antes do início do processo de gravação ou animação, os diretores de Aladdin sabiam que queriam que Williams interpretasse o Gênio que realiza desejos. Portanto, uma vez que o papel era dele, foi dado espaço para que as habilidades cômicas de Williams brilhassem, já que ele foi autorizado a improvisar e improvisar muitas de suas falas.
Após as sessões de gravação, os animadores moldaram o design do personagem de Genie em torno do melhor das falas rápidas e espirituosas de Williams, que incluíam sua mudança de forma para vários personagens e figuras da cultura pop. A vida que Williams trouxe ao personagem fica evidente nos movimentos de Genie e torna quase impossível imaginar outro ator apresentando o personagem ao público. Devido à grande decisão de elenco da Disney, o Gênio se tornou o coração de Aladdin, proporcionando ao público bastante alívio cômico.
Relacionado O acordo de Aladdin de Robin Williams prova o quão grande era seu gênio Robin Williams concordou em interpretar o gênio em Aladdin por um ótimo motivo, o que prova ainda mais o quão fantástico é seu desempenho no filme.
3Meg (Hércules)
Seu design é baseado na cerâmica grega
Situado na Grécia Antiga, os desenhos de muitas estruturas em Hércules são extraídos de ilustrações gregas. O mesmo vale para os personagens de Hércules, principalmente Meg. Embora muitos dos maneirismos de Meg se assemelhem aos da dubladora da personagem, Susan Egan, o design do físico de Meg foi propositalmente concebido para se afastar do realismo.
Ken Duncan, o supervisor de animação de Meg, baseou a forma do personagem na cerâmica grega. Da cabeça às roupas, o design de Meg é fortemente influenciado pelo cenário do filme. O formato e o comprimento do vestido de Meg lembram os pilares vistos em toda a arquitetura da Grécia Antiga. Além disso, o formato dos vasos atenienses clássicos pode ser identificado na estrutura do cabelo e do torso de Meg. O design de Meg é outro exemplo da criatividade e inteligência da Disney quando se trata de vincular o cenário histórico de um filme.
doisBaymax (Grande Herói 6)
Um exterior abraçável complementa sua bondade
Os criadores de Big Hero 6 estavam cientes dos muitos personagens robóticos da cultura pop, incluindo o protagonista titular da Pixar em WALL-E. Portanto, o objetivo do Baymax do Big Hero 6 era se destacar. Em vez de seguir o design mecânico esperado de um robô, o Baymax foi criado para ser confortável e abraçável. Em linha com os filmes anteriores da Disney, a equipe criativa por trás de Big Hero 6 pesquisou a tecnologia existente que poderia informar o design de Baymax.
Na Universidade Carnegie Mellon, a equipe conheceu um pesquisador, Chris Atkeson, que estava desenvolvendo “robôs macios”, utilizando material de vinil no design do robô. A ideia de Atkeson inspirou em grande parte o exterior flexível de Baymax, o que levou o público a ficar cativado pelo personagem. Grande parte do motivo pelo qual Baymax é amado pelo público se deve ao seu desejo programado de ajudar aqueles que estão feridos. A bondade inata com a qual Baymax foi programado é complementada por seu exterior mole.
1Rapunzel (emaranhado)
Seu cabelo delicioso se move com seu espírito livre
Inspirando-se no conto de fadas alemão, os longos cabelos loiros de Rapunzel são uma característica fundamental da personagem de Enrolados. A animação em Tangled combinou CGI com animação tradicional e exigiu o desenvolvimento de um novo programa para lidar com o fluxo do cabelo de Rapunzel. Uma versão melhorada de um programa de simulação, o dynamicWires, permitiu aos animadores usar um sistema de molas e adicionar um contraste realista ao movimento do cabelo de Rapunzel (via Estúdios de animação Walt Disney).
O programa de simulação reduziu uma parte significativa do tempo e permitiu que o cabelo de Rapunzel seguisse naturalmente os movimentos do personagem sem parecer rígido ou pesado. O desenho do cabelo de Rapunzel é crucial porque produz movimentos que coincidem com sua personalidade e liberdade recém-descoberta. Depois de deixar a torre onde ficou presa durante a maior parte de sua vida, Rapunzel corre ao ar livre e o fluxo de seu cabelo é tão rítmico quanto ela.
Fontes: Revista Smithsonian, CBR, Walt Disney Animation Studios